Al términar este trabajo sobre los movimientos artísticos del siglo XIX y XX, puedo concluir que me sirvió muchisimo para conocer movimientos artísticos los cuales desconocía, al igual que artistas que nunca había escuchado hablar sobre y los cuales me gustaron mucho como Mauro David (hiperrealismo), Vladimir Kush (surrealismo), Seurat (neoimpresionismo). También conocí nuevas obras de artistas que ya conocía como Monet(impresionismo), Matisse (fauvismo).
Hacer un blog con los distintos movimientos entre los siglos XIX y XX me ayudó muchísimo a entender sobre las distintas técnicas que utilizaron los artistas en cada uno de los movimientos asi como las diferencias entre uno y los otros.
martes, 24 de abril de 2012
lunes, 23 de abril de 2012
Hiperrealismo
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los
verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y
fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la
pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que
ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el
hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los
objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En
esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que
constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos
ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de
la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara
fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la
plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
'Plato de cristal con melones' (1999), por Mauro David
Fuentes:
Pop Art
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en Gran Bretaña
donde surgió la primera obra. Pero el primer gran impacto
del arte popular en el público británico fue en la “Exposición de
contemporáneos jóvenes”, de 1961, que incluía obras de David Hockney,
Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B Kitaj, y estableció a
una generación entera de artistas jóvenes.
Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la
sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos
o envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un
arte accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de
imágenes de tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de
anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.
Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy
Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo
tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s”
son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de arte
cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras están
hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otro de los
grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se
inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para
ilustrar sus conocidos cómics.
Arte Óptico
El Arte óptico, también conocido como Op-art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.
Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos.
No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino
que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe
estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El
op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
El
Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la
composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de
movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano
mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un
orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se
basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos
visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que
queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la
configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción
geométrica.
Las
obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una
sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica,
situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta
reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza
para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en
el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de
figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la
interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones
perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
Surrealismo
En 1924 aparece en París, de la pluma del escritor André Breton, el
“Manifeste du Surrealismo”. Fue con este texto que nació el surrealismo
, un movimiento artístico que enlazaba con el movimiento dadaísta, por
su ruptura con la tradición, pero que a la vez se separaba de él por la
confianza en las posibilidades expresivas del arte.
El surrealismo tiene unas raíces profundas que lo conectan con el
romanticismo visionario y fantástico, filtrado a través de las
experiencias del simbolismo y el dadaísmo.
Los descubrimientos en el campo de la biología, y sobretodo de la
psicología, son el punto de partida para el reconocimiento de las formas
de expresión del surrealismo. El mismo Breton lo reconoció en el
homenaje que hizo al padre de la psicología, Sigmund Freud. Siguiendo la
pauta de las afirmaciones científicas, se admite como verdadera y
autentica la expresión de lo que escondemos en las profundidades de
nuestra mente, un contenido de los lenguajes tradicionales que se
esconde bajo reglas e imposiciones, pero que podemos emerger a través de
los sueños, la fantasía y el inconsciente.
'Manzanas, orugas y mariposas' de Vladimir Kush.
Vladimir Kush se identifica con el realismo metafórico que surge del surrealismo, en especial de Salvador Dalí, por el uso de simbolismos. Diré de paso que habitualmente confunden sus obras con la de Dalí.
Dadaísmo
El Dadaísmo nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y despúes de la conflagración se trasladó a París.No era tanto un movimiento artístico
como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al
orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de
poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho
de que la sociedad lo consideró respetable. El bigote y la inscripción obscena
en la "Mona Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas
experimentaron diversos estilos artísticos, algunos de los cuales serían
desarrollados posteriormente por los Surrealistas. En el período de
entreguerras, el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó
el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. A
partir de mediados de los años 40, muchos de sus reclutas más relevantes
vinieron de América.
Durante
una reunión en el café Cabaret Voltaire de Zurich, Suiza (1916), un grupo de jóvenes
intelectuales, inconformistas, contrarios a la primera guerra mundial decide
construir un movimiento artístico y literario completamente revolucionario.
Lo
denominaron dadaísmo, proviene del término "dada" que
significa en francés "caballito de juguete". El movimiento se
desarrolla en Europa y en los Estados Unidos en la segunda década del sigo XX.
y defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Su propósito
se opone a los conceptos tradicionales del arte y a una ideología burguesa.
Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo.
Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor.
Utilizan colores lisos, pero sordos.
El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra
Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que
la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y
comenzar otra nueva.
Los integrantes del dadaismo innovaron el
empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje.
'Fontaine' (1915) por Marcel Duchamp
Su principal aportación
es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para
situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho
de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría
de obra de arte.
En 1913 concibió
una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete
de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés
y lo tituló Fontaine.
Fuentes:
Arte Abstracto
El arte abstracto
es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo
propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así
concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación
con la realidad visual.
Se podría decir que esto comienza a partir de la
Segunda Guerra Mundial gracias a la cual, se produce una
gran migración de artistas e intelectuales hacia
América, lo que permitió la continuidad y evolución de
las vanguardias ya establecidas durante la primera etapa.
Pero en realidad, años antes, estos artistas ya
exploraron la abstracción. El primer paso lo hace Van
Doesburg en 1930 cuando funda el Arte Concreto, un año
más tarde se crea la Asociación Abstraction-Création y
luego en 1936, Max Bill retoma y aclara el sentido del
Arte Concreto.
En la pintura abstracta, la obra de arte
se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza
y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o
flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar
la necesidad interior. Una de las características principales de la
pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad
cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no
figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico,
una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”,
señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de
arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la
escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se
encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el
suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos
cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio)
adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la
mente del artista.
La liberación del color y la
fuerza de las
formas geométricas, dan paso a las vanguardias de la
pintura
abstracta.
.jpg)
Su pintura tiene como
objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los
sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores.
“Quisiera que se comprendiera de una vez por todas qué hay detrás de mi
pintura, y que no se limitaran a constatar que utilizo triángulos y
círculos. Sé que el futuro pertenece al arte abstracto y me entristece
ver que los artistas abstractos se ocupan, a veces exclusivamente de
cuestiones formales”.
Wassily Kandinsky, 1945.
Fuentes:
Suscribirse a:
Entradas (Atom)