Al términar este trabajo sobre los movimientos artísticos del siglo XIX y XX, puedo concluir que me sirvió muchisimo para conocer movimientos artísticos los cuales desconocía, al igual que artistas que nunca había escuchado hablar sobre y los cuales me gustaron mucho como Mauro David (hiperrealismo), Vladimir Kush (surrealismo), Seurat (neoimpresionismo). También conocí nuevas obras de artistas que ya conocía como Monet(impresionismo), Matisse (fauvismo).
Hacer un blog con los distintos movimientos entre los siglos XIX y XX me ayudó muchísimo a entender sobre las distintas técnicas que utilizaron los artistas en cada uno de los movimientos asi como las diferencias entre uno y los otros.
martes, 24 de abril de 2012
lunes, 23 de abril de 2012
Hiperrealismo
El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los
verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y
fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la
pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que
ofrece la fotografía.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el
hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los
objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En
esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que
constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos
ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de
la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara
fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la
plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
'Plato de cristal con melones' (1999), por Mauro David
Fuentes:
Pop Art
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Londres y Nueva York son las cunas del arte pop. Fue en Gran Bretaña
donde surgió la primera obra. Pero el primer gran impacto
del arte popular en el público británico fue en la “Exposición de
contemporáneos jóvenes”, de 1961, que incluía obras de David Hockney,
Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B Kitaj, y estableció a
una generación entera de artistas jóvenes.
Los artistas pop pintaban en un lenguaje figurativo temas de la
sociedad de consumo, como botellas de refrescos, paquetes de cigarrillos
o envoltorios de chicle. Su temática directa y clara lo convirtió en un
arte accesible al público en general. El arte pop se nutrió también de
imágenes de tebeo, revistas, periódicos, del cine y de la televisión, de
anuncios fluorescentes de grandes comercios y de tipografías chillonas.
Uno de los mejores representantes del movimiento del arte pop es Andy
Warhol, que trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo
tema mítico. “Maryilin Monroe”, “Elvis Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s”
son algunas de sus obras maestras. Warhol quería eliminar de la obra de arte
cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus obras están
hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Otro de los
grandes del arte pop es Roy Lichtenstein, el pintor neoyorquino que se
inspiraba en los dibujos animados, la publicidad y la televisión para
ilustrar sus conocidos cómics.
Arte Óptico
El Arte óptico, también conocido como Op-art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.
Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos.
No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino
que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe
estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. El
op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. En esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.
El
Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la
composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de
movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano
mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un
orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se
basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos
visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que
queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la
configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción
geométrica.
Las
obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una
sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica,
situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta
reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza
para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en
el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de
figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la
interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones
perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios.
Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
Surrealismo
En 1924 aparece en París, de la pluma del escritor André Breton, el
“Manifeste du Surrealismo”. Fue con este texto que nació el surrealismo
, un movimiento artístico que enlazaba con el movimiento dadaísta, por
su ruptura con la tradición, pero que a la vez se separaba de él por la
confianza en las posibilidades expresivas del arte.
El surrealismo tiene unas raíces profundas que lo conectan con el
romanticismo visionario y fantástico, filtrado a través de las
experiencias del simbolismo y el dadaísmo.
Los descubrimientos en el campo de la biología, y sobretodo de la
psicología, son el punto de partida para el reconocimiento de las formas
de expresión del surrealismo. El mismo Breton lo reconoció en el
homenaje que hizo al padre de la psicología, Sigmund Freud. Siguiendo la
pauta de las afirmaciones científicas, se admite como verdadera y
autentica la expresión de lo que escondemos en las profundidades de
nuestra mente, un contenido de los lenguajes tradicionales que se
esconde bajo reglas e imposiciones, pero que podemos emerger a través de
los sueños, la fantasía y el inconsciente.
'Manzanas, orugas y mariposas' de Vladimir Kush.
Vladimir Kush se identifica con el realismo metafórico que surge del surrealismo, en especial de Salvador Dalí, por el uso de simbolismos. Diré de paso que habitualmente confunden sus obras con la de Dalí.
Dadaísmo
El Dadaísmo nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial, y despúes de la conflagración se trasladó a París.No era tanto un movimiento artístico
como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al
orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de
poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho
de que la sociedad lo consideró respetable. El bigote y la inscripción obscena
en la "Mona Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas
experimentaron diversos estilos artísticos, algunos de los cuales serían
desarrollados posteriormente por los Surrealistas. En el período de
entreguerras, el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó
el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. A
partir de mediados de los años 40, muchos de sus reclutas más relevantes
vinieron de América.
Durante
una reunión en el café Cabaret Voltaire de Zurich, Suiza (1916), un grupo de jóvenes
intelectuales, inconformistas, contrarios a la primera guerra mundial decide
construir un movimiento artístico y literario completamente revolucionario.
Lo
denominaron dadaísmo, proviene del término "dada" que
significa en francés "caballito de juguete". El movimiento se
desarrolla en Europa y en los Estados Unidos en la segunda década del sigo XX.
y defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Su propósito
se opone a los conceptos tradicionales del arte y a una ideología burguesa.
Estos pintores utilizan figuras amorfas. Además, usan mucho el simbolismo.
Estas obras no tienen explicación por sí mismas, sin la ayuda del autor.
Utilizan colores lisos, pero sordos.
El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra
Mundial, de la derrota y de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que
la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y
comenzar otra nueva.
Los integrantes del dadaismo innovaron el
empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje.
'Fontaine' (1915) por Marcel Duchamp
Su principal aportación
es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para
situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho
de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría
de obra de arte.
En 1913 concibió
una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete
de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés
y lo tituló Fontaine.
Fuentes:
Arte Abstracto
El arte abstracto
es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo
propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así
concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación
con la realidad visual.
Se podría decir que esto comienza a partir de la
Segunda Guerra Mundial gracias a la cual, se produce una
gran migración de artistas e intelectuales hacia
América, lo que permitió la continuidad y evolución de
las vanguardias ya establecidas durante la primera etapa.
Pero en realidad, años antes, estos artistas ya
exploraron la abstracción. El primer paso lo hace Van
Doesburg en 1930 cuando funda el Arte Concreto, un año
más tarde se crea la Asociación Abstraction-Création y
luego en 1936, Max Bill retoma y aclara el sentido del
Arte Concreto.
En la pintura abstracta, la obra de arte
se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza
y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o
flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar
la necesidad interior. Una de las características principales de la
pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad
cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no
figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico,
una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”,
señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de
arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la
escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se
encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el
suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos
cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio)
adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la
mente del artista.
La liberación del color y la
fuerza de las
formas geométricas, dan paso a las vanguardias de la
pintura
abstracta.
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Su pintura tiene como
objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los
sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores.
“Quisiera que se comprendiera de una vez por todas qué hay detrás de mi
pintura, y que no se limitaran a constatar que utilizo triángulos y
círculos. Sé que el futuro pertenece al arte abstracto y me entristece
ver que los artistas abstractos se ocupan, a veces exclusivamente de
cuestiones formales”.
Wassily Kandinsky, 1945.
Fuentes:
Futurismo
El futurismo surgió en Milán, Italia, (S. XX) impulsado por Filippo Tommaso Marinetti, quien publica
en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909
el Manifiesto Futurista
Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía,
el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento
agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y
la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo
sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato
de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la
disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión
plástica.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida
contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el
movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo
(artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine,
música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el
propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo.
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la
representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los
objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o
emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los
dibujos animados. Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará
a la abstracción a través del rayonismo.
'Dinamismo de un ciclista' (1913) de Umberto Boccioni
Un dibujo a plumilla de Boccioni representa un Ciclista (1913), por
así decirlo, sujeto a un motivo que es la velocidad. La línea vibrante,
la luz y el movimiento vienen a destruir la corporeidad material de lo
representado. En la sensación de movimiento, de dinamismo, los elementos
se desdoblan, los perfiles se multiplican, y las cosas se deforman. Con
el movimiento y la vibración se trascienden las presencias físicas, se
hacen transparentes los cuerpos.
En 'Dinamismo de un ciclista', expresa la sensación del dinamismo presentando una
secuencia de varios movimientos al mismo tiempo.
Se organizan en disparatadas rectas,
formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración
a un movimiento frenético, casi desesperado.
Fuentes:
Cubismo
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El Cubismo es
un arte mental, se desliga completamente de la interpretación
o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí
misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación
con la naturaleza se consigue a través de la descomposición
de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán
estudiados en sí mismos y no en la visión global de
volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos
de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea
de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra
y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo
en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas
invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza
se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros,
esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre
fue respetada.
Los principales temas fueron los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.
| Las Señortias de Avignon (1907) de Pablo Picasso |
'Las Señoritas
de Avignon' es el cuadro que marca el comienzo del cubismo, donde rompe
con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando
la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título
se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el
mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico
y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen
desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras
africanas. Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y pertenece a las vanguardias pictóricas del siglo XX.
«Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro».
Pablo Picasso
Fuentes:
Fauvismo
El
fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa
duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.Se caracterizó por un empleo provocativo del color.
El Fauvismo es uno de los movimientos del
siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un
estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a
la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista,
plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una
comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez,
rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El color es el objetivo principal del cuadro,
utilizan también la pasta desde el tubo sin necesidad de
paleta, se inclinan por los colores vivos en formas de manchas
planas. El color se independiza del objeto.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.
Su estilo pistórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink y Pablo Picasso.
Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
http://www.profesorenlinea.cl/artes/fauvismoMatisse.htm
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.
Su estilo pistórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink y Pablo Picasso.
Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.
En La alegría de vivir (1905-1906)
resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain,
de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será
la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación,
totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas
y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental.
Definió los espacios mediante amplias áreas de colores
sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos,
que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
En su obra
hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un
camino hacia la profundidad de sí mismo.
http://www.profesorenlinea.cl/artes/fauvismoMatisse.htm
Neoimpresionismo
También denominado Puntillismo o Divisionismo, fue la derivación y recuperación del impresionismo, siendo sus principales promotores los pintores franceses Paul Signac y Georges Seurat. Surge en Francia a fines del Siglo XIX.
En realidad
se trata de un impresionismo
radical, en cierta manera disidente, que lleva a las
últimas
consecuencias las teorías científicas sobre el color y la
luz de Michel Eugène Chevreul.
Sin embargo, sus cuadros se diferencian
netamente
del impresionismo clásico. Vuelve a cobrar importancia el dibujo,
que se había abandonado a favor de las manchas de color. Las figuras
se hacen geométricas. No se
mezclan los colores
ni en la paleta ni en el cuadro, sino que se aplican unos junto a otros
con pinceladas muy cortas: puntos.
Sólo usan
los colores primarios y el
ojo debe hacer la mezcla.
En 1884 ocurrió un acontecimiento importante para el mundo del arte con repercusiones para el futuro: se creó la Sociedad de Artistas Independientes. Era un organismo permanente que admitía a todos los artistas sin discriminación. Las reuniones en las que se gestó esta Sociedad se celebraron en el café Marengo, y en ellas se conocieron Seurat y Signac. Estos dos artistas fueron los fundadores del neoimpresionismo.
En 1884 ocurrió un acontecimiento importante para el mundo del arte con repercusiones para el futuro: se creó la Sociedad de Artistas Independientes. Era un organismo permanente que admitía a todos los artistas sin discriminación. Las reuniones en las que se gestó esta Sociedad se celebraron en el café Marengo, y en ellas se conocieron Seurat y Signac. Estos dos artistas fueron los fundadores del neoimpresionismo.
caracteriza por la fragmentación de la línea en puntos de color. Sus puntos son extremadamente pequeños. Sus figuras son, básicamente, geométricas. Entre sus obras destacan 'La Torre Eiffel' (1889). Es un cuadro al óleo, de pequeñas dimensiones, muestra a la torre Eiffel todavía en construcción, sin el último piso. Se conserva en el Young Memorial Museum de San Francisco, Estados Unidos.
Paul
Signac
(1863-1935) es la otra gran figura del Neoimpresionismo. Es el gran
teórico del puntillismo, escribió De Delacroix
al neoimpresionismo, donde expone sus ideas. En sus obras
pretende
potenciar
al máximo la luz, el color y la armonía. La fusión
óptica cromática la debe de hacer el espectador. Utiliza
pigmentos y colores puros. Da mucha importancia a la composición
del cuadro. Entre sus obras destacan Palacio de los Papas en Aviñón (1900) óleo sobre lienzo.
Signac amaba navegar, y viajó por toda la costa francesa, en especial por la parte mediterránea, donde creó algunas de sus composiciones más brillantes, como el ejemplo aquí mostrado. Signac fue una importante influencia para artistas posteriores, como Henri Matisse.
Fuentes:
http://www.artelista.com/puntillismo.html
http://pastranec.net/arte/sigloxix/neoimpresionismo.html
http://recursos.educarex.es/escuela2.0/Humanidades/Historia/impresionismo/xhtml/04neoimp/04.html
http://www.theartwolf.com/articles/50-pinturas-impresionistas.html
lunes, 9 de abril de 2012
Impresionismo
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa, principalmente en Francia.
Es caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la "impresión" visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El impresionismo rompía con las leyes del academicismo, suprimiendo la
perspectiva tradicional, la anatomía clásica y el claroscuro. Los
autores de este movimiento rechazaron los colores oscuros para buscar la
claridad, la transparencia y la luminosidad.
La temática era uno de los principales motivos de discrepancia que tenían los pintores impresionistas
con la sociedad de la época. Procedentes de una clase social popular, o
próxima a ella, a los impresionistas les resultaba placentero retratar
gustos y costumbres que les eran familiares. Por el contrario, los
clientes de arte, pertenecientes a las clases burguesas y
aristocráticas, estaban acostumbrados al idealismo y al reflejo de la
sofisticación en los cuadros. Como consecuencia, la alta sociedad
consideraba que los impresionistas estaban en guerra contra la belleza.
Se conserva en el Museo Marmottan-Monet de París.
Fuentes:
Realismo
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848.
Consistía en diversos movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo ya sea en literatura o pintura. El desencanto
por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas
políticos y se concentre en temas sociales.Tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad.
El realismo queda vinculado a las ideas socialistas más o menos
definidas. Aunque con claras diferencias entre los distintos autores, en
general se aprecia un interés por la situación de las clases más
desfavorecidas de la sociedad surgida de la Revolución Industrial.
Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales
como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos,
las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar esto.
"Las espigadoras" de Jean-François Millet (1857)
Se
distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida
nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos
por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina
y del hambre y la miseria que éste trae consigo. Contempló
de cerca la situación en la que vivía, pero no la denunció
en sus pinturas, sino que la representó tal y como era, plasmó
la realidad.
Romanticismo
El Romanticismo fue un movimiento cultural en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII.
El Romanticismo es un movimiento cultural y político; fue una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.
Su temática contenía paisajes, animales salvajes y domésticos, pintura costumbrista; la magia y la superstición.
"La Libertad guiando al pueblo" por Eugène Delacroix (1830)
"La Libertad guiando al pueblo" es un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 y conservado en el Museo del Louvre de París.
El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas.
Se representa
al burgués con su sombrero de copa y empuñando el fusil, al lado un
andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al fondo aparecen
brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante
realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente
indicándonos que ha valido la pena morir por ella.
La obra se ha convertido en un icono universal de la lucha por la libertad.
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Libertad_guiando_al_pueblo
Fuentes:
http://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo
http://es.wikipedia.org/wiki/La_Libertad_guiando_al_pueblo
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